Off Topic Hilo Musical . Vol. XXV
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Their Satanic Majesties Request: la mayor extravagancia psicodélica de The Rolling Stones
El 8 de diciembre de 1967 fue publicado el arriesgado y singular sexto álbum de la banda londinense, uno de los grandes pináculos de la psicodelia
Durante el periodo psicodélico que se ubica entre 1966-1968 prácticamente ningún grupo o artista se salvó de que su obra se adentrara, en mayor o menor grado, en aquella estética llena de experimentación, lisergia sonora y mucho colorido.
Las drogas alucinógenas, con el ácido lisérgico (LSD) a la cabeza, contribuyeron de manera determinante en los resultados, no solo en la música, sino también en el cine, la literatura, las artes plásticas, el teatro y la moda.
Quizá poco tiempo antes pocos hubieran imaginado que uno de los discos que más profundizaría en la psicodelia iba a provenir de una banda cuya inspiración provenía del blues y el rock and roll y cuya energía en directo los alejaba de los ambientes llenos de incienso.
Sin embargo, en el seno de los Rolling Stones habitaba el inquieto Brian Jones, cuya curiosidad y talento ejecutante, lo llevó a abordar una amplia gama de instrumentos que incluía cítara, clavecín, dulcimer, mellotrón, tambura, marimba, vibráfono, clarinete, kazoo, trombón, banjo, koto, entre otros.
Brian pasó de la guitarra y la armónica a un extenso catálogo instrumental que lo llevó del medioevo a la India, a Japón y adonde su imaginación volara. Su problema fue que proporcional a su inmenso talento su personalidad problemática y sus adiciones atentaron contra su concentración.
Ya desde 1966 el grupo había comenzado a introducir instrumentación nada convencional para el rock en el disco Aftermath (primero con 100% de material propio) como la cítara en “Paint it Black” o el dulcimer en “Lady Jane” y “I’m Waiting”, y ya luego en 1967 en los álbumes Between the Buttons y el compilado Flowers, que precedieron al gran pináculo de la psicodelia stoniana.
También fue lanzado el single “We Love You” / “Dandelion”, influido por la estancia en la cárcel de Jagger y Richard, temas que pudieron haber sido parte de Their Satanic….
Para el momento en que se publicó Their Satanic Majesties Request, los Beatles habían roto todos los paradigmas con Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band y ampliado los códigos de la psicodelia pop con Magical Mystery Tour.
También el novel grupo Pink Floyd con Syd Barrett al frente había editado su fabuloso debut The Piper at The Gates of Dawn, uno de los grandes pináculos del período.
De modo que ya para finales de 1967 era necesario expandir aún más las fronteras sonoras para poder sorprender. Y eso fue lo que hicieron Mick Jagger (voz principal, percusión, maracas, pandereta, glockenspiel), Keith Richards (guitarras acústica y eléctrica, bajo fuzz, coros), Brian Jones (mellotrón, flauta, percusión, saxo, efectos de sonido, guitarra acústica, vibráfono, arpa judía, metales, órgano, dulcimer eléctrico, recorder, arpa, armónica de concierto), Bill Wyman (bajo, percusión, piano, órgano, mellotrón, oscilador y voz líder en un tema) y Charlie Watts (batería, pandereta, congas, tabla, claves), ayudados por Nicky Hopkins (piano, órgano, clavicordio), Ronnie Lane y Steve Marriott de Small Faces en los coros, y el futuro Led Zeppelin, John Paul Jones, en los arreglos de cuerdas.
Este disco era el primero que se publicaba con el mismo número y orden de canciones en todo el planeta, sin las variantes que generalmente había entre la original edición británica y la estadounidense.
Para entonces era el sexto LP británico y el octavo norteamericano de TRS. También fue el primer disco sin Andrew Loog Oldham, el manager y productor artífice de su imagen y mucho de su éxito inicial, quien los había acusado de perder el foco y engancharse demasiado a las drogas.
Por tanto, el grupo asumió la producción en este disco, cuyo título juega con la frase “Her Britannic Majesty requests and requires…” que aparece en los pasaportes británicos. Fue un período caótico, dominado por las drogas, la poca concentración en el estudio por la presencia de muchos amigos y novias, y también por el cambio que cada tema sufrió durante el proceso.
Por el contenido del disco, la imaginería pagana, los metamensajes y el título, la banda comenzó a ser llamada “Sus majestades satánicas”, lo cual fue reforzado un año después con la aparición de "Symphaty for the Devil" en Beggars Banquet, de estilo diametralmente opuesto.
El álbum abre con “Sing This All Together”, que como su nombre indica es una especie de cántico ritual envuelto en una maraña instrumental con la percusión en plan protagónico.
De forma concatenada aparece “Citadel”, y el parecido con Pink Floyd se hace evidente. Es la que quizá tenga mayor presencia de la guitarra, aunque alrededor de ella pululan el órgano y los efectos.
La única canción acreditada a Bill Wyman en la historia de los Stones es “In Another Land”, que el bajista compuso y cantó como una parodia de aquellas sesiones de grabación. Quizá él era el único cuerdo. Es uno de los momentos más interesantes, con presencia del clavecín y la voz distorsionada, sintonizada con la sensación que provoca la portada.
“2000 Man”, arranca con una guitarra acústica y una batería con eco, entonces Jagger canta una melodía melancólica, hasta que la pieza cambia de mood y el aroma folk es sustituido por un fuerte riff de órgano y un ritmo más rockero.
En lado A lo cierra “Sing This All Together (See What Happened)”, ocho minutos de jamming en los que flauta y metales, guitarra eléctrica y diversos instrumentos de percusión construyen una especie de ofrenda tribal.
En el tramo final aparece la voz, cantando de manera sigilosa la misma letra y melodía que el primer tema. Es, sin duda, el momento más esotérico en la carrera de los Stones.
El lado B abre con uno de los grandes clásicos stonianos, aunque muy poco interpretado en vivo: “She´s a Rainbow”. Es la canción más conocida del disco y la que sonó más en radio.
Conserva, 55 años después, la frescura intacta y sigue cautivando por el prístino piano, los marravillosos violines arreglados por John Paul Jones y la estupenda melodía vocal de Jagger.
La sigue “The Lantern”, otro momentazo psicodélico entre el pop y el folk, de esos que envuelven. Pero las sorpresas siguen con “Gomper”, una exquisito sobre vuelo con alfombra mágica que recuerda a Incredible String Band y Donovan, construida con cítara, tablá, un órgano fantasmal y otros instrumentos acústicos.
Uno de los más fantásticos temas de los Stones es “2000 Light Years from Home”, con presencia avasallante del mellotron en una incursión cósmica que sin duda inspiró a grupos de rock psicodélico y espacial de años posteriores, incluyendo a varios del krautrock.
El disco cierra con “On With The Show”, un corto tema de carácter festivo con la voz de Jagger tratada como a través de un megáfono. Suena un arpa casi joropeada en la parte central y final, otro de los aportes de Brian Jones.
Uno de los aspectos esenciales de este álbum es el diseño y arte, que va íntimamente ligado a su contenido musical. Aquí también tuvieron que subir el listón que estaba muy alto.
La portada, como era de esperarse, fue comparada con la de Sgt Pepper, aunque a decir verdad tenía más parecido con Incredible String Band. El fotógrafo Michael Cooper (el mismo de Sgt Pepper) los capturó vestidos con indumentaria de hechiceros, foto a la que se le dio un tratamiento tridimensional.
Dependiendo el ángulo de visión, la imagen lenticular muestra los rostros de cada integrante girando más allá de cada uno, con la excepción de Jagger cuyas manos aparecen cruzadas frente a él.
Fijándose bien, es posible detallar las caras de los cuatro Beatles, una evidente cortesía por la inclusión en la portada de Sgt Pepper de una muñeca vistiendo un suéter con la inscripción “Welcome The Rolling Stones”.
Las ediciones posteriores a las de 1967 reemplazaron la imagen tridimensional por una foto unidimensional, dados los costos de producir la portada con ese tipo de material plástico. En los 80 hubo una edición limitada con portada 3D a partir de los materiales originales y en 2017 ha sido publicada una lujosa versión 50 aniversario ampliada.
El arte completo del disco es un elaborado diseño basado en un collage de fotos y una pintura de Tony Meeuwissen en la contraportada destacando los cuatro elementos (tierra, agua, fuego, aire).
El collage interno tiene docenas de imágenes tomadas de reproducciones de maestros de la pintura como Ingres, Poussin, Da Vinci…mandalas de India, retratos, flores, referencias astronómicas, mapas…y la sensación que podría dar está cercana a El Bosco. El laberinto planteado no puede ser completado, nunca se llega a la meta.
En la larga historia de los Stones, este fue el primer LP que posee una carátula novedosa, siendo las otras Sticky Fingers (1971) con su cierre o cremallera de pantalón, Some Girls (1978) con los rostros recortados, y las calcomanías de Undercover (1983).
Al poco tiempo de haber sido editado, sus integrantes sintieron que ese no era un disco que los representaba y adoptaron el sonido que finalmente los identificaría en los años por venir, con nuevas influencias provenientes del folk y la música country, y con riffs de guitarra venenosos. Eso quedó patente en Beggars Banquet, lanzado en diciembre de 1968.
Mas de medio siglo después, Their Satanic Majesties Request, puede ser percibido dentro de la totalidad de la discografía Stones como una rareza, una extravagancia, pero no hay duda que representa uno de los atrevimientos más interesantes que un grupo de rock haya podido abordar sin miedo al rechazo.
Hay que seguir disfrutando de ese viaje.
El 8 de diciembre de 1967 fue publicado el arriesgado y singular sexto álbum de la banda londinense, uno de los grandes pináculos de la psicodelia
Durante el periodo psicodélico que se ubica entre 1966-1968 prácticamente ningún grupo o artista se salvó de que su obra se adentrara, en mayor o menor grado, en aquella estética llena de experimentación, lisergia sonora y mucho colorido.
Las drogas alucinógenas, con el ácido lisérgico (LSD) a la cabeza, contribuyeron de manera determinante en los resultados, no solo en la música, sino también en el cine, la literatura, las artes plásticas, el teatro y la moda.
Quizá poco tiempo antes pocos hubieran imaginado que uno de los discos que más profundizaría en la psicodelia iba a provenir de una banda cuya inspiración provenía del blues y el rock and roll y cuya energía en directo los alejaba de los ambientes llenos de incienso.
Sin embargo, en el seno de los Rolling Stones habitaba el inquieto Brian Jones, cuya curiosidad y talento ejecutante, lo llevó a abordar una amplia gama de instrumentos que incluía cítara, clavecín, dulcimer, mellotrón, tambura, marimba, vibráfono, clarinete, kazoo, trombón, banjo, koto, entre otros.
Brian pasó de la guitarra y la armónica a un extenso catálogo instrumental que lo llevó del medioevo a la India, a Japón y adonde su imaginación volara. Su problema fue que proporcional a su inmenso talento su personalidad problemática y sus adiciones atentaron contra su concentración.
Ya desde 1966 el grupo había comenzado a introducir instrumentación nada convencional para el rock en el disco Aftermath (primero con 100% de material propio) como la cítara en “Paint it Black” o el dulcimer en “Lady Jane” y “I’m Waiting”, y ya luego en 1967 en los álbumes Between the Buttons y el compilado Flowers, que precedieron al gran pináculo de la psicodelia stoniana.
También fue lanzado el single “We Love You” / “Dandelion”, influido por la estancia en la cárcel de Jagger y Richard, temas que pudieron haber sido parte de Their Satanic….
Para el momento en que se publicó Their Satanic Majesties Request, los Beatles habían roto todos los paradigmas con Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band y ampliado los códigos de la psicodelia pop con Magical Mystery Tour.
También el novel grupo Pink Floyd con Syd Barrett al frente había editado su fabuloso debut The Piper at The Gates of Dawn, uno de los grandes pináculos del período.
De modo que ya para finales de 1967 era necesario expandir aún más las fronteras sonoras para poder sorprender. Y eso fue lo que hicieron Mick Jagger (voz principal, percusión, maracas, pandereta, glockenspiel), Keith Richards (guitarras acústica y eléctrica, bajo fuzz, coros), Brian Jones (mellotrón, flauta, percusión, saxo, efectos de sonido, guitarra acústica, vibráfono, arpa judía, metales, órgano, dulcimer eléctrico, recorder, arpa, armónica de concierto), Bill Wyman (bajo, percusión, piano, órgano, mellotrón, oscilador y voz líder en un tema) y Charlie Watts (batería, pandereta, congas, tabla, claves), ayudados por Nicky Hopkins (piano, órgano, clavicordio), Ronnie Lane y Steve Marriott de Small Faces en los coros, y el futuro Led Zeppelin, John Paul Jones, en los arreglos de cuerdas.
Este disco era el primero que se publicaba con el mismo número y orden de canciones en todo el planeta, sin las variantes que generalmente había entre la original edición británica y la estadounidense.
Para entonces era el sexto LP británico y el octavo norteamericano de TRS. También fue el primer disco sin Andrew Loog Oldham, el manager y productor artífice de su imagen y mucho de su éxito inicial, quien los había acusado de perder el foco y engancharse demasiado a las drogas.
Por tanto, el grupo asumió la producción en este disco, cuyo título juega con la frase “Her Britannic Majesty requests and requires…” que aparece en los pasaportes británicos. Fue un período caótico, dominado por las drogas, la poca concentración en el estudio por la presencia de muchos amigos y novias, y también por el cambio que cada tema sufrió durante el proceso.
Por el contenido del disco, la imaginería pagana, los metamensajes y el título, la banda comenzó a ser llamada “Sus majestades satánicas”, lo cual fue reforzado un año después con la aparición de "Symphaty for the Devil" en Beggars Banquet, de estilo diametralmente opuesto.
El álbum abre con “Sing This All Together”, que como su nombre indica es una especie de cántico ritual envuelto en una maraña instrumental con la percusión en plan protagónico.
De forma concatenada aparece “Citadel”, y el parecido con Pink Floyd se hace evidente. Es la que quizá tenga mayor presencia de la guitarra, aunque alrededor de ella pululan el órgano y los efectos.
La única canción acreditada a Bill Wyman en la historia de los Stones es “In Another Land”, que el bajista compuso y cantó como una parodia de aquellas sesiones de grabación. Quizá él era el único cuerdo. Es uno de los momentos más interesantes, con presencia del clavecín y la voz distorsionada, sintonizada con la sensación que provoca la portada.
“2000 Man”, arranca con una guitarra acústica y una batería con eco, entonces Jagger canta una melodía melancólica, hasta que la pieza cambia de mood y el aroma folk es sustituido por un fuerte riff de órgano y un ritmo más rockero.
En lado A lo cierra “Sing This All Together (See What Happened)”, ocho minutos de jamming en los que flauta y metales, guitarra eléctrica y diversos instrumentos de percusión construyen una especie de ofrenda tribal.
En el tramo final aparece la voz, cantando de manera sigilosa la misma letra y melodía que el primer tema. Es, sin duda, el momento más esotérico en la carrera de los Stones.
El lado B abre con uno de los grandes clásicos stonianos, aunque muy poco interpretado en vivo: “She´s a Rainbow”. Es la canción más conocida del disco y la que sonó más en radio.
Conserva, 55 años después, la frescura intacta y sigue cautivando por el prístino piano, los marravillosos violines arreglados por John Paul Jones y la estupenda melodía vocal de Jagger.
La sigue “The Lantern”, otro momentazo psicodélico entre el pop y el folk, de esos que envuelven. Pero las sorpresas siguen con “Gomper”, una exquisito sobre vuelo con alfombra mágica que recuerda a Incredible String Band y Donovan, construida con cítara, tablá, un órgano fantasmal y otros instrumentos acústicos.
Uno de los más fantásticos temas de los Stones es “2000 Light Years from Home”, con presencia avasallante del mellotron en una incursión cósmica que sin duda inspiró a grupos de rock psicodélico y espacial de años posteriores, incluyendo a varios del krautrock.
El disco cierra con “On With The Show”, un corto tema de carácter festivo con la voz de Jagger tratada como a través de un megáfono. Suena un arpa casi joropeada en la parte central y final, otro de los aportes de Brian Jones.
Uno de los aspectos esenciales de este álbum es el diseño y arte, que va íntimamente ligado a su contenido musical. Aquí también tuvieron que subir el listón que estaba muy alto.
La portada, como era de esperarse, fue comparada con la de Sgt Pepper, aunque a decir verdad tenía más parecido con Incredible String Band. El fotógrafo Michael Cooper (el mismo de Sgt Pepper) los capturó vestidos con indumentaria de hechiceros, foto a la que se le dio un tratamiento tridimensional.
Dependiendo el ángulo de visión, la imagen lenticular muestra los rostros de cada integrante girando más allá de cada uno, con la excepción de Jagger cuyas manos aparecen cruzadas frente a él.
Fijándose bien, es posible detallar las caras de los cuatro Beatles, una evidente cortesía por la inclusión en la portada de Sgt Pepper de una muñeca vistiendo un suéter con la inscripción “Welcome The Rolling Stones”.
Las ediciones posteriores a las de 1967 reemplazaron la imagen tridimensional por una foto unidimensional, dados los costos de producir la portada con ese tipo de material plástico. En los 80 hubo una edición limitada con portada 3D a partir de los materiales originales y en 2017 ha sido publicada una lujosa versión 50 aniversario ampliada.
El arte completo del disco es un elaborado diseño basado en un collage de fotos y una pintura de Tony Meeuwissen en la contraportada destacando los cuatro elementos (tierra, agua, fuego, aire).
El collage interno tiene docenas de imágenes tomadas de reproducciones de maestros de la pintura como Ingres, Poussin, Da Vinci…mandalas de India, retratos, flores, referencias astronómicas, mapas…y la sensación que podría dar está cercana a El Bosco. El laberinto planteado no puede ser completado, nunca se llega a la meta.
En la larga historia de los Stones, este fue el primer LP que posee una carátula novedosa, siendo las otras Sticky Fingers (1971) con su cierre o cremallera de pantalón, Some Girls (1978) con los rostros recortados, y las calcomanías de Undercover (1983).
Al poco tiempo de haber sido editado, sus integrantes sintieron que ese no era un disco que los representaba y adoptaron el sonido que finalmente los identificaría en los años por venir, con nuevas influencias provenientes del folk y la música country, y con riffs de guitarra venenosos. Eso quedó patente en Beggars Banquet, lanzado en diciembre de 1968.
Mas de medio siglo después, Their Satanic Majesties Request, puede ser percibido dentro de la totalidad de la discografía Stones como una rareza, una extravagancia, pero no hay duda que representa uno de los atrevimientos más interesantes que un grupo de rock haya podido abordar sin miedo al rechazo.
Hay que seguir disfrutando de ese viaje.
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A pesar de que ese disco tiene muchos detractores dentro de los seguidores de la banda, a mí me parece la leche para lo que es, y cumple perfectamente con su cometido. Y confieso que bajo mis estados de alteradísima consciencia, en general me gustaba más que el Sgt Pepper aunque no llegara a superar a For the Benefit of Mr. Kite, personalmente hablando:
Y como bien dice el artículo al final, hay que seguir disfrutando de ese viaje, y on with the show.
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Yesssss.
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Y claro, no me podía faltar éste
The Piper at the Gates of Dawn: gran debut de Pink Floyd y pináculo de la psicodelia
El 5 de agosto de 1967 fue publicado el primer disco de la emblemática e influyente banda londinense, uno de los pináculos de la psicodelia pop.
Amado por muchos, ignorado por otros, aquel revolucionario álbum fue producto del genio malogrado de Syd Barrett, guitarrista, cantante y principal compositor, quien a comienzos de 1968, con una salud afectada por las drogas y genes esquizofrénicos, fue sustituido por su amigo David Gilmour.
Cuando se editó The Piper At The Gates of Dawn el 5 de agosto de 1967 en Inglaterra y una semana después en Norteamérica, ya Pink Floyd era la sensación del underground británico, con apariciones en el programa Top of The Pops de la BBC y conciertos en Inglaterra y Escocia.
Dos singles previos (“Arnold Layne” y “See Emily Play”) y una serie de telúricas presentaciones en famosos locales de la época como el UFO y el Marquee de Londres, habían colocado el nombre de la banda y en especial a su carismático líder, Syd Barrett, en el epicentro de la efervescente escena pop del año del verano del amor y el Sgt. Pepperde los Beatles.
La fiesta psicodélica “24 Hour Technicolor Dream” congregó en el Gran Salón del Alexandra Palace de Londres a más de 30 grupos y personajes claves del momento, entre ellos The Who, The Move, Tomorrow, The Soft Machine y The Pretty Things, pero fue Pink Floyd el que deslumbró a los asistentes gracias a un alucinado performance acompañado de un colorido juego de luces.
El flautista a las puertas del amanecer o la imaginería surrealista de Syd Barrett
Aún hoy, a una distancia de cinco décadas a once de la muerte de Barrett, las once canciones que componen The Piper at The Gates of Dawn siguen destilando una vitalidad a prueba del tiempo.
Aunque es indudable que refleja de forma directa una época de experimentación con drogas alucinógenas y total libertad creativa, su trascendencia va más allá de la simple documentación de un momento histórico cargado de visiones cósmicas inspiradas en libros infantiles y cuentos de hadas.
The Piper representa la esencia en estado puro de un grupo que le dio personalidad al rock psicodélico y que luego de la obligada salida de Barrett supo consolidar con A Saucerful of Secrets (1968), Ummagumma (1969), More (1969), Atom Heart Mother (1970) y Meddle (1971), una fértil etapa que desembocó en los exitosos The Dark Side of The Moon (1973) y Wish You Were Here (1975) Here (1975) en los que el cuarteto había mutado a un elaborado rock progresivo de corte espacial.
El génesis, la producción e inspiración de The Piper
The Piper fue producido por Norman Smith (el ingeniero de los primeros discos de The Beatles), quien fue impuesto por la disquera EMI en detrimento de Joe Boyd. Grabado por Pete Brown en el espacio de tres meses, nada habitual para los estándares de la época en la que una o dos semanas eran la norma.
A pesar de la carga de ingenuidad e inexperiencia, el disco refleja el talento desbordante de Barrett –un diamante en bruto que brilló solo un año– y sus tres compañeros: Roger Waters (bajo), Richard Wright (teclados) y Nick Mason (batería).
El título del disco proviene de un capítulo del libro “The Wind in The Willow” de Kenneth Grahame, una de las obras favoritas de Syd. Los textos de las canciones poseen orígenes diversos, aunque por su construcción puede deducirse la influencia del LSD y la fascinación por la literatura inglesa, en especial la infantil.
El primer tema, “Astronomy Domine”, es uno de los momentos que la banda, en sus diferentes épocas, siempre ha reivindicado. Un himno en sus primeros conciertos, este tema no fue incluido en la edición norteamericana y su lugar lo ocupó “See Emily Play”.
La misteriosa psicodelia de “Lucifer Sam”, mezcla las ideas de Syd y su novia Jenny Spires. “Matilda Mother” es una de las joyas, la cual incluía inicialmente versos infantiles de Hillary Belloc que luego, al prohibirse su uso, fueron sustituidos por los de Syd. El pasaje instrumental con el órgano de protagonista –editado para el disco por Smith–, solía extenderse por 10 minutos en vivo.
“Flaming” es otra invocación de Barrett a la infancia, con Wright llevando el peso con el órgano y un clavecín fantasmal. El tema instrumental “Pow R Toc H”, con el ritmo tribal de Mason y el piano jazzeado de Wright, fue una secuela de “Interstellar Overdrive”, el largo y abstracto tema que definió la primera etapa del grupo y que en los shows podía durar hasta media hora.
La única composición individual no perteneciente a Syd Barrett fue “Take Up Thy Stethoscope and Walk”, de Roger Waters, quien a la postre se convertiría en el principal compositor.
En ella se desatan todos los demonios, con un endiablado órgano, la furiosa guitarra de Syd y una línea de bajo envolvente que Mason acompaña a la batería con inusual velocidad.
“The Gnome”, inspirada en “Lord of the Rings” de J.R.R. Tolkien, es un exquisito folk psicodélico con algunos arreglos pop que podrían asociarse al hecho que The Beatles grababan en simultáneo Sgt. Pepper en los mismos estudios Abbey Road.
Por su parte, “Chapter 24”, con letra inspirada en el capítulo 24 del I Ching, es uno de los momentos de mayor hipnotismo. “The Scarecrow” había aparecido como lado B del single “See Emily Play”, pero su inclusión en el LP fue un acierto.
Es probable que provenga del libro infantil de June Wilson, aunque a su vez es la forma inconsciente que Syd tenía de referirse a sí mismo como el espantapájaros. La parte final, con la guitarra acústica y el órgano, son una delicia.
El cierre del disco, “Bike”, lo constituye una primera mitad de estructura pop convencional que desemboca en una arriesgada segunda parte repleta de bizarras sonoridades cuya construcción basada en cintas electromagnéticas precede a los experimentos de Ummagumma e incluso a “Revolution No. 9” que los Beatles grabaron un año después en The White Album (1968).
La influencia de Syd Barrett y The Piper
A través de las décadas, la primera etapa de Pink Floyd con Barrett ha servido de inspiración para decenas de bandas. El krautrock alemán de principios de los años 70 (Tangerine Dream, Ash Ra Tempel, Agitation Free, Guru Guru, Amon Düül II y muchos más) se dejó seducir.
Grupos pop como XTC y su alter ego The Dukes Of Stratosfear, Blur, Super Furry Animals, The Coral, Spacemen 3, Spiritualized, The Kitchens Cynics y artistas como Julian Cope, Robyn Hitchcock, Martin Newell, Kevin Ayers y David Bowie nunca ocultaron esa influencia.
The Piper at the Gates of Dawn: gran debut de Pink Floyd y pináculo de la psicodelia
El 5 de agosto de 1967 fue publicado el primer disco de la emblemática e influyente banda londinense, uno de los pináculos de la psicodelia pop.
Amado por muchos, ignorado por otros, aquel revolucionario álbum fue producto del genio malogrado de Syd Barrett, guitarrista, cantante y principal compositor, quien a comienzos de 1968, con una salud afectada por las drogas y genes esquizofrénicos, fue sustituido por su amigo David Gilmour.
Cuando se editó The Piper At The Gates of Dawn el 5 de agosto de 1967 en Inglaterra y una semana después en Norteamérica, ya Pink Floyd era la sensación del underground británico, con apariciones en el programa Top of The Pops de la BBC y conciertos en Inglaterra y Escocia.
Dos singles previos (“Arnold Layne” y “See Emily Play”) y una serie de telúricas presentaciones en famosos locales de la época como el UFO y el Marquee de Londres, habían colocado el nombre de la banda y en especial a su carismático líder, Syd Barrett, en el epicentro de la efervescente escena pop del año del verano del amor y el Sgt. Pepperde los Beatles.
La fiesta psicodélica “24 Hour Technicolor Dream” congregó en el Gran Salón del Alexandra Palace de Londres a más de 30 grupos y personajes claves del momento, entre ellos The Who, The Move, Tomorrow, The Soft Machine y The Pretty Things, pero fue Pink Floyd el que deslumbró a los asistentes gracias a un alucinado performance acompañado de un colorido juego de luces.
El flautista a las puertas del amanecer o la imaginería surrealista de Syd Barrett
Aún hoy, a una distancia de cinco décadas a once de la muerte de Barrett, las once canciones que componen The Piper at The Gates of Dawn siguen destilando una vitalidad a prueba del tiempo.
Aunque es indudable que refleja de forma directa una época de experimentación con drogas alucinógenas y total libertad creativa, su trascendencia va más allá de la simple documentación de un momento histórico cargado de visiones cósmicas inspiradas en libros infantiles y cuentos de hadas.
The Piper representa la esencia en estado puro de un grupo que le dio personalidad al rock psicodélico y que luego de la obligada salida de Barrett supo consolidar con A Saucerful of Secrets (1968), Ummagumma (1969), More (1969), Atom Heart Mother (1970) y Meddle (1971), una fértil etapa que desembocó en los exitosos The Dark Side of The Moon (1973) y Wish You Were Here (1975) Here (1975) en los que el cuarteto había mutado a un elaborado rock progresivo de corte espacial.
El génesis, la producción e inspiración de The Piper
The Piper fue producido por Norman Smith (el ingeniero de los primeros discos de The Beatles), quien fue impuesto por la disquera EMI en detrimento de Joe Boyd. Grabado por Pete Brown en el espacio de tres meses, nada habitual para los estándares de la época en la que una o dos semanas eran la norma.
A pesar de la carga de ingenuidad e inexperiencia, el disco refleja el talento desbordante de Barrett –un diamante en bruto que brilló solo un año– y sus tres compañeros: Roger Waters (bajo), Richard Wright (teclados) y Nick Mason (batería).
El título del disco proviene de un capítulo del libro “The Wind in The Willow” de Kenneth Grahame, una de las obras favoritas de Syd. Los textos de las canciones poseen orígenes diversos, aunque por su construcción puede deducirse la influencia del LSD y la fascinación por la literatura inglesa, en especial la infantil.
El primer tema, “Astronomy Domine”, es uno de los momentos que la banda, en sus diferentes épocas, siempre ha reivindicado. Un himno en sus primeros conciertos, este tema no fue incluido en la edición norteamericana y su lugar lo ocupó “See Emily Play”.
La misteriosa psicodelia de “Lucifer Sam”, mezcla las ideas de Syd y su novia Jenny Spires. “Matilda Mother” es una de las joyas, la cual incluía inicialmente versos infantiles de Hillary Belloc que luego, al prohibirse su uso, fueron sustituidos por los de Syd. El pasaje instrumental con el órgano de protagonista –editado para el disco por Smith–, solía extenderse por 10 minutos en vivo.
“Flaming” es otra invocación de Barrett a la infancia, con Wright llevando el peso con el órgano y un clavecín fantasmal. El tema instrumental “Pow R Toc H”, con el ritmo tribal de Mason y el piano jazzeado de Wright, fue una secuela de “Interstellar Overdrive”, el largo y abstracto tema que definió la primera etapa del grupo y que en los shows podía durar hasta media hora.
La única composición individual no perteneciente a Syd Barrett fue “Take Up Thy Stethoscope and Walk”, de Roger Waters, quien a la postre se convertiría en el principal compositor.
En ella se desatan todos los demonios, con un endiablado órgano, la furiosa guitarra de Syd y una línea de bajo envolvente que Mason acompaña a la batería con inusual velocidad.
“The Gnome”, inspirada en “Lord of the Rings” de J.R.R. Tolkien, es un exquisito folk psicodélico con algunos arreglos pop que podrían asociarse al hecho que The Beatles grababan en simultáneo Sgt. Pepper en los mismos estudios Abbey Road.
Por su parte, “Chapter 24”, con letra inspirada en el capítulo 24 del I Ching, es uno de los momentos de mayor hipnotismo. “The Scarecrow” había aparecido como lado B del single “See Emily Play”, pero su inclusión en el LP fue un acierto.
Es probable que provenga del libro infantil de June Wilson, aunque a su vez es la forma inconsciente que Syd tenía de referirse a sí mismo como el espantapájaros. La parte final, con la guitarra acústica y el órgano, son una delicia.
El cierre del disco, “Bike”, lo constituye una primera mitad de estructura pop convencional que desemboca en una arriesgada segunda parte repleta de bizarras sonoridades cuya construcción basada en cintas electromagnéticas precede a los experimentos de Ummagumma e incluso a “Revolution No. 9” que los Beatles grabaron un año después en The White Album (1968).
La influencia de Syd Barrett y The Piper
A través de las décadas, la primera etapa de Pink Floyd con Barrett ha servido de inspiración para decenas de bandas. El krautrock alemán de principios de los años 70 (Tangerine Dream, Ash Ra Tempel, Agitation Free, Guru Guru, Amon Düül II y muchos más) se dejó seducir.
Grupos pop como XTC y su alter ego The Dukes Of Stratosfear, Blur, Super Furry Animals, The Coral, Spacemen 3, Spiritualized, The Kitchens Cynics y artistas como Julian Cope, Robyn Hitchcock, Martin Newell, Kevin Ayers y David Bowie nunca ocultaron esa influencia.
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El sonido y lo que transmiten esos 3 discos son inigualables por nadie de su competencia y que dedicaran su música a la psicodelia, por muy buenos discos que hicieran. A los Doors no los incluyo, porque eran únicos en eso, y sin parafernalias sonoras
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Imaginaba. Pero por si acaso...
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En las primeras declaraciones de Gilmour tras la muerte de su amigo y compañero de batalla Rick Wright, dijo: “En la discusión acerca del sonido de Pink Floyd, su enorme aporte a veces se olvida. Su forma de tocar y melodiosa voz fueron componentes mágicos y vitales. Nuestra telepatía alcanzó su primer gran momento en 1971 con la monumental pieza “Echoes”.
Totalmente de acuerdo con Gilmour en todo eso que dijo.
Totalmente de acuerdo con Gilmour en todo eso que dijo.
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Al final me lo estoy calzando... Voy por el cuarto tema, ya no puedo parar
@Ryunosuke ésta la conoces bien, verdad?
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La verdad es que te puede gustar más o menos, pero la carrera de este tío,es para quitarse el sombrero
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Pues mira, hace un rato hablaba con Doc sobre voces especiales, y le cité a Jagger de ejemplo.
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Supongo que de Calamaro también se habló
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En dos días,el primer concierto del año.
Y nada mejor, que empezarlo con Angelus
Buenas noches, piratillas
Mañana más
Hasta mañana, descansa, mañana finde
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Supongo que de Calamaro también se habló
Jajaja, no. Hablamos del cantante de REM, de Ozzy, de Fish y Marillion, de Hollis el de Talk Talk, Jagger, Jim Morrison, Pink Floyd y de Rush.
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Vaya, menos mal que uno está familiarizado con las "casualidades". Pongo la tele, me meto en Movistar, y en el primer canal que miro, la peli de Scorsese y los Rolling Stones. Qué buenos, c**o
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Cada ser humano trae algo nuevo al mundo, algo que no estaba antes y que no estaría si no hubiera nacido. Y no, no representa sólo el descanso y la retirada, sino también el esfuerzo y el compromiso. El incremento del bienestar de uno mismo y el de los demás.
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Cuanto más espacio dejéis al loco en vuestra vida, más fácil os será aceptaros tal como sois. Todo lo que sabéis tendrá una importancia especial en vuestra vida en el momento oportuno. Manteneos abiertos a experimentar y sed libres de no saber la respuesta o de cambiar de punto de vista a voluntad. No dejéis que los demás os vuelvan locos. Es de necios preocuparse de cosas que no puedes juzgar apropiadamente en este momento.
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