Off Topic Hilo Musical . Vol. XXV

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Agarraos, jeje

Leño, ‘Leño’ (1979)
¿Alguien en este país no conoce a Leño o a Rosendo Mercado? Es el grupo más querido del rock español, que tuvo la honestidad de retirarse cuando estaban a un gran nivel; y no han vuelto, a pesar de las suculentas ofertas.

A quien le pilló en la adolescencia este álbum le voló la cabeza. Fito Cabrales, Robe Iniesta (un poco más mayor), Kutxi Romero (Marea)… Todos lo escucharon y su vida ya no fue lo mismo. El sonido agresivo, la forma tan burra de cantar de Rosendo y las letras: nadie antes había cantando historias tan extrañas y sugerentes. Sirva de ejemplo este extracto de Sodoma y Chabola: “Hamburguesas de colores para niños de Sodoma./ Muñecas de porcelana y caballeros de goma./ En la chabola las lágrimas formaron mares de hiel./ Con barquitos de miseria y diosecillos de papel”. 40 años después uno escucha este disco y sigue sintiendo unas ganas tremendas de echar abajo la pared con la cabeza.

Como para no volarte la cabeza esto aquí en aquella época

 

[el_letrado]

Hoy toca mañana de estudio. Seguimos.

 

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Hoy toca mañana de estudio. Seguimos.

Dale. Ya musiqueo yo

 

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Smash, ‘Vanguardia y pureza del flamenco’ (1978)

Los pioneros del rock aflamencado. Antes que Triana, que Lole y Manuel, que Alameda, que Veneno o Pata Negra. Smash, desde Sevilla, fueron los primeros, pasando por bulerías aquello que escuchaban en los discos de Frank Zappa y de Cream, que conseguían gracias a sus contactos en la base estadounidense de Morón de la Frontera.

Aunque se editó en 1978, las grabaciones de Smash pertenecen a principios de los setenta. Algunas salieron en single en la época, pero lo que hace Chapa Discos en 1978 es agruparlas. Como son solo cinco temas (pero qué canciones) la discográfica decidió incluir seis de Agujetas con Manolo Sanlucar y empaquetarlo con el título de Vanguardia y pureza del flamenco. Aquí está El garrotín, punta de lanza del flamenco rock, o Alameda’s blues, inspiración para Pata Negra, o Ni recuerdo, ni olvido, nueve minutos de progresismo flamenco que traslada a otra dimensión. Lo de Smash fue tan adelantando a su tiempo que nadie lo comprendió en la época. Años después se identificó como el germen de toda la fusión entre el rock y lo jondo.

 

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Burning, ‘El fin de la década’ (1979)

Una banda de corsarios del rock and roll que la montaban allí donde desembarcaban. Ellos querían ser como sus ídolos (Lou Reed, los Rolling Stones, David Bowie…) y se lanzaron a tumba abierta en busca del tipo de vida en el que creían. Hicieron gran rock y algunos de ellos se quedaron en el camino: su guitarrista, Pepe Risi, y su cantante, Antonio Martín, fallecieron (en 1997 y 1991, respectivamente) como consecuencia de las drogas.

Burning había debutado con un álbum áspero, Madrid (1978), un trabajo con todas las virtudes y las deficiencias de las primeras obras. Este El fin de la década está más pulido y contiene canciones sensacionales. Grabado en Barcelona, se registró por la noche, con mucha compañía en el estudio y en un ambiente festivo, con todo el avituallamiento necesario. Más allá de clásicos como Qué hace una chica como tú en un sitio como este o Mueve tus caderas, conviene detenerse en las baladas y los medios tiempos, obras plenas de una poesía romántica y crápula, canciones como Las chicas del drugstore, Un poquito nada más, Lo que el tiempo no borró o Balada para una viuda. Porque hay que haber hecho mucho rock and roll para facturar temas lentos tan emocionantes.

 

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Miguel Ríos, ‘Los viejos rockeros nunca mueren’ (1979)

El rockero más importante que ha dado este país.

¿Por qué este disco es tan bueno? Porque con este álbum Miguel Ríos inicia una etapa triunfal, gracias a unas grandes canciones y a unas giras que, a partir de aquí, se sucederían durante los ochenta y buena parte de los noventa. Pionero en muchas cosas, Miguel Ríos inaugura en España las giras profesionales, técnicamente y por difusión (miles de personas) a la altura de los grandes internacionales. En Los viejos rockeros… se incluyen obras tan soberbias como Un caballo llamado muerte (hablando de la destructiva heroína sin metáforas: también fue pionero en eso), Rock pa’l ministro (denunciando el juego interesado de los políticos con relación a la cultura), Canción de amor (para tiempos difíciles) (bellísima)… Hasta los extraños teclados que se disparan en algún momento del álbum tienen su gracia.

 

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Cucharada, ‘El limpiabotas que quería ser torero’ (1979)

Seguramente el grupo más ácrata y divertido de finales de los setenta. Digamos que era un colectivo de músicos, actores, buscavidas… Gente creativa con ganas de hacer cosas todo el rato, cuanto más locas mejor. Precisamente esta dispersión fue nefasta para su continuidad. Uno de sus líderes fue Manolo Tena. Solo editaron un disco grande, el que nos ocupa.

Por qué es tan bueno este disco. Muy bien tocado, con unas letras sociales repletas de ironía y con una paleta estilística amplia. El limpiabotas que quería ser torero es uno de los grandes discos olvidados del rock español. Arranca con Desconcierto flamenco, un rock aflamencado del que Robe Iniesta seguro tiene constancia, ya que las pinceladas flamencas de Extremoduro son muy similares. Abarca y devora/Compre es una suite donde relatan lo que pasaría en la crisis de 2008, ¡30 años antes! Made in U.S.A. (escrita por Moncho Alpuente e Hilario Camacho), llena de procacidad, es una crítica al imperialismo estadounidense que se puede llevar a los tiempos de Trump. Canción para pedir limosna deriva a los ritmos latinos. Y cierra Social peligrosidad, más que una canción un artículo periodístico de cómo trataba a la juventud melenuda los últimos coletazos del franquismo y primeros de la Transición. Qué gran disco y qué vigente aún hoy.

 

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Lone Star, ‘Adelante. Rock en vivo’ (1973)

Desde Barcelona, pioneros del rock español, en funcionamiento desde principios de los sesenta. Lone Star hicieron pop, garaje, jazz, rock… y siempre con la gran voz de Pedro Gené como seña de identidad. Su canción Mi calle está entre las mejores del rock español.

Por qué es tan bueno este disco. Seguramente este es el primer álbum de rock duro hecho por una banda española. Se trata de un trabajo en directo con trampa. Está registrado en un estudio de grabación con un par de docenas de amigos como espectadores. La apertura, Adelante, es una poderosa descripción de la vida del rockero. Lone Star combina piezas en inglés y castellano y suena rudo, con la voz de Gené desgañitándose. Eso: rock duro cuando en España nadie lo practicaba.

 

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Pau Riba, ‘Dioptria’ (1970)

Un músico libertario que impulsó el rock catalán (aunque él nació en Palma de Mallorca) burlando milagrosamente la censura franquista. Él lo explicó así: “Entre que cantábamos en catalán y que utilizábamos el surrealismo nos dejaron estar”.

Pau Riba proviene de una familia burguesa, pacata y católica. Este disco (editado en dos partes: 1970 y 1971) está grabado cuando tenía 20 años y su plan de vida era la vida hippy con residencia en una cueva de Formentera. Dioptria es una crítica contra esa familia tradicional que él conoció bien, un relato, lleno de ironía, de una sociedad cínica, conservadora y religiosa. Teniendo importancia la parte lírica, la musical es sumamente relevante, ya que se introduce con solvencia en el rock psicodélico y el folk-rock, poco tratados en España. Un disco creativamente abrumador.

 

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Topo, ‘Topo’ (1979)

El grupo que formó José Luis Jiménez y Lele Laina cuando dejaron Asfalto. Musicalmente esta propuesta sigue destilando rock urbano, pero, a diferencia del debut de Asfalto, más inclinado al progresivo.

Tan solo siete canciones, con letras bien elaboradas que apelan a la conciencia obrera, muestran los claroscuros de la deriva del periodo de la Transición, advierte sobre el aburguesamiento individual y critica el imperialismo americano y los privilegios de la iglesia. Topo era una banda a la izquierda de la izquierda. Su Vallecas 1996 es un relato a pie de calle del sentir de los habitantes de los barrios desfavorecidos de las grandes ciudades.

 

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Sujetad el cubata

Las Grecas, ‘Gipsy Rock’ (1974)

Carmela y Tina Muñoz, dos hermanas gitanas que a mediados de los setenta irrumpieron en una España todavía temblorosa con un furioso rock aflamencado con un mensaje de poderío femenino y racial. El nonaino y Jimi Hendrix colisionaban en unas canciones arrolladoras.

Paco de Lucía reconoció que su mayor éxito, Entre dos aguas, está inspirado en este Gipsy Rock. Camarón de la Isla no lo dijo, porque era de pocas palabras, pero cuando escuchaba a Las Grecas sonreía. Este disco es tan innovador que aún hoy no suena desgastado. Al contrario. Además de enchufar a su flamenco la guitarra de Hendrix, aquí regurgita funk duro (Parliament) o rock latino (Santana). Luego están la letras, claro, desatadas historias de pasión, con expresiones intransferibles como “achilipú” o “te estoy amando locamenti”.

 

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Mermelada, ‘Coge el tren’ (1979)

Una máquina de rhythm & blues en una época donde en España no se estilaba este género. Mermelada, desde Madrid y liderados por Javier Teixidor, tenía como referente a los británicos Dr. Feelgood, de ahí que la armónica sea uno de sus instrumentos fundamentales.

Canciones breves, explosiones de rock and roll, mensajes de jóvenes airados y desconectados de la generación de sus padres. La manera de tocar las canciones era salvaje, recogiendo la esencia de sus actuaciones. Teixidor tenía 17 años cuando grabó un disco que todavía suelta relámpagos cuando lo pinchas.

 

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Veneno, ‘Veneno’ (1977)

Un puñado de anarquistas musicales milagrosamente metidos en un estudio por el productor sevillano Ricardo Pachón. Kiko Veneno, los hermanos Amador (Rafael y Raimundo), El Manglis, El Tacita… De ahí no podía salir nada convencional.

Cuenta Pachón que el disco fue un fracaso absoluta, que solo vendió 700 ejemplares. Tuvieron que pasar muchos años para que pudiera ser entendida una obra capital para la fusión entre el flamenco y el rock, aquello que iniciaron Smash. Aunque estuvieron varios días en el estudio lo que quedó se registró en una jornada, aquella en la que Pachón disolvió unos LSD en un recipiente de té. Entre sorbo y sorbo, los músicos se pusieron a tocar. Es un disco deslavazado, carente de dirección, casi improvisado. Y ahí esta su valor, una especie de jam sesión lisérgica, un genial encuentro de amigos que está entre lo mejor del rock español de todos los tiempos.

 

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Moris, ‘Fiebre de vivir’ (1978)

Un histórico del rock argentino que se mudó a Madrid a mediados de los setenta huyendo de la dictadura argentina. Moris cuenta que cuando llegó a la capital solía tocar en un pub las canciones que luego formarían este disco. Por allí pasaron Burning, que dieron sus primeros pasos cantando en inglés. Al ver a Moris en concierto decidieron utilizar el castellano.

Moris escribió estas canciones en los bares de la ciudad, en Bravo Murillo, Plaza Castilla y Tetuán. Se sentaba, pedía un café y llenaba cuartillas con lo que le inspiraba la ciudad. Como si de pequeños reportajes se tratara, el argentino contó en sus letras cómo la ciudad abrazaba la libertad después de años de represión, todo con sus luces y sombras. Aunque hay mucho rock and roll en este álbum (donde los músicos de acompañamiento son Tequila), lo más logrado son las descriptivas baladas urbanas: Balada de Madrid, Nocturno de Princesa, Tarde en el metro… La capacidad de Moris para captar el latir de la ciudad es primorosa.

 

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Cánovas, Rodrigo, Adolfo y Guzmán, ‘Señora azul’ (1974)

Cuatro músicos experimentados que tocaron en bandas como Solera, Los Íberos o Franklin. La versión más cercana que tuvimos de Crosby, Stills, Nash & Young. Personalidades potentes proclives a las fricciones. Después de este disco se dijeron hasta luego. Volvieron con los años con este y otros formatos, pero ya nada fue igual.

Este álbum contiene una de las canciones de amor más hermosas del rock español, Solo pienso en ti; porque nunca los críticos culturales fueron tan duramente atacados con una canción tan buena, Señora azul; porque tiene altura de miras musical y poética… Resulta llamativo que este disco fuera un fracaso de ventas cuando se publicó. En qué estaríamos pensando…

 

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Ramoncín, ‘Barriobajero’ (1979)

Un veinteañero madrileño de barrio, provocador, audaz e intuitivo poeta del rock and roll. Su nombre: José Ramón Julio Márquez Martínez, alias Ramoncín.

Un año antes, Ramoncín, rombo pintado en un ojo, había publicado su primer disco, con temas que dejaban ojipláticos a los padres y atraían a los hijos: mar*ca de terciopelo, El Rey del Pollo Frito o Cómete una paraguaya. En Barriobajero Ramoncín pule su propuesta y describe lo que ocurre en los barrios de Madrid, relatos de delincuentes, traficantes de medio pelo, tipos sin mucho futuro que se llaman El Chuli o Felisín El Vacilón. No se habían escuchado hasta entonces estos relatos de personajes que habitaban el lumpen de las grandes ciudades. Una aventuras atornilladas con música cruda, rock quincallero que conectaba con unos jóvenes que encontraban a alguien que hablaba su mismo idioma.

 

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Ramoncín, ‘Barriobajero’ (1979)

Un veinteañero madrileño de barrio, provocador, audaz e intuitivo poeta del rock and roll. Su nombre: José Ramón Julio Márquez Martínez, alias Ramoncín.

Un año antes, Ramoncín, rombo pintado en un ojo, había publicado su primer disco, con temas que dejaban ojipláticos a los padres y atraían a los hijos: mar*ca de terciopelo, El Rey del Pollo Frito o Cómete una paraguaya. En Barriobajero Ramoncín pule su propuesta y describe lo que ocurre en los barrios de Madrid, relatos de delincuentes, traficantes de medio pelo, tipos sin mucho futuro que se llaman El Chuli o Felisín El Vacilón. No se habían escuchado hasta entonces estos relatos de personajes que habitaban el lumpen de las grandes ciudades. Una aventuras atornilladas con música cruda, rock quincallero que conectaba con unos jóvenes que encontraban a alguien que hablaba su mismo idioma.

Esto también le va a pesar a alguno. Pero es lo que hay si hablamos de música

 

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Tequila, ‘Matrícula de honor’ (1978)

Una banda de rock and roll como no había aparecido en España: festiva, insultantemente juvenil, grandes instrumentistas y glamourosos. Con dos chicos argentinos al frente recién llegados a España huyendo de la dictadura de su país: Alejo Stivel y Ariel Rot. Los dos siguen en 2020 dando conciertos como Tequila.

Por qué es tan bueno este disco. A finales de los setenta las radios y la televisión en España estaban llenas de cantantes melódicos. La insolente irrupción de estos chavales haciendo rock cambio la vida de muchos adolescentes españoles. Gracias a Tequila estos jóvenes descubrieron a los ídolos de estos, los Rolling Stones, los Faces o Chuck Berry. Este es su primer disco, nervioso rock and roll con temas que todavía siguen interpretando en directo, como Rock and roll en la plaza del pueblo o Necesito un trago. Aunque la tónica general es el rock, también hay aproximaciones santaneras, como en Vacaciones en Copacabana, o baladas de aromas stonianos, como Abre el día. Al final resulta un disco bastante ecléctico. Un año después, en 1979, entregarían otro gran trabajo, Rock and roll.

 

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Y ahora llegan los ochenta...

 

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Burning, ‘Noches de rock and roll’ (1984)

Pintaba mal: el cantante del grupo, Toño Martín, había dejado la banda después de un disco de escasas ventas, Atrapado en el amor (1981). Nadie se hubiese extrañado si aquello supusiese el final de la banda. Pero esto es Burning, un corazón que late incluso cuando le asestan una puñalada. Pepe Risi y Johnny Cifuentes se hacen con los mandos y resucitan con este álbum lleno de historias de desdichados personajes de barrio.

Burning fue una banda de rock que mostraba su mejor versión en los temas lentos. Este disco lo constata, con joyas como Una noche sin ti (clásico de su repertorio), Corazón solitario o El sueño de tu sonrisa. Seguramente es el trabajo de Burning donde más protagonismo tiene Pepe Risi, que canta casi todos los temas. Hay uno dedicado a su excompañero Toño, Y no lo sabrás: “Creo que la corbata a ti no te va./Cada día el nudo es más fuerte, hasta que tú mismo te ahogaras”. Toño fallecía de sobredosis años después, en 1991.

 

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Joaquín Sabina, ‘Joaquín Sabina y Viceversa en directo’ (1986)

Uno de los escritores de canciones más influyente de la música española. Artistas de diferentes épocas y estilos reconocen la impronta de Sabina: Pereza, Bebe, Melendi, Quique González, Andrés Suárez, La Cabra Mecánica, Extremoduro...

El Rock and Ríos de Sabina fue grabado en febrero de 1986 en un teatro madrileño. Este disco convirtió al Sabina cantautor en el Sabina rockero. Fue un salto en popularidad, que se consolidaría años después, pasando de actuar en teatros a llenar plazas de toros. Sabina selecciona el repertorio más rockero de sus discos anteriores y llama a amigos (Aute, Gurruchaga, Krahe, Sisa…), en lo que sería una de las primeras experiencias de grabaciones en vivo entre colegas, ampliamente explotada después. Eran otros tiempos, alejados de los códigos de hoy: cuando en una canción Sabina menciona a Antoñete, el teatro estalla en una ovación de admiración al diestro madrileño. Aquí lo importante es el repertorio, una exhibición del canallismo literario que encumbró al cantante.

 

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Los Secretos, ‘Los Secretos’ (1981)

Los tres hermanos Urquijo (Enrique, Javier y Álvaro), chicos madrileños de clase media que protagonizaron el acto fundacional de la Movida, el Homenaje a Canito, el batería de su grupo (por entonces llamado Tos), que falleció en un accidente de tráfico.

Los Urquijo decidieron dejar correr el nombre de Tos y lo cambiaron por Los Secretos. Y editaron este disco, que es mucho más que Déjame. Esto es nueva ola urgente, historias cándidas de amores, canciones redondas como Otra tarde (con unas guitarras muy Byrds) o No supe qué decir. Centellas pop aún burbujeantes.

 

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Ángeles del Infierno, ‘Pacto con el diablo’ (1984)

Junto con Obús, la banda que mejor recreó los preceptos del heavy metal, si consideramos a Judas Priest como reyes del género.

Aquí están concentrados absolutamente todos los clichés del heavy: voces agudas; solos de guitarra virgueros; canciones que empiezan con “el concierto va a empezar”… Era el momento de explotar estos arquetipos y esta banda vasca lo hizo muy bien. Sonaban duros, eran más heavies que el viento, se lo creían… Todos, pues, contentos.

 

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Loquillo y Trogloditas, ‘El ritmo del garaje’ (1983)

Un chaval de Barcelona que iba para jugador de baloncesto y tiró, para felicidad de la música española, por el camino de la mala vida rockera. A su lado, los pendencieros Trogloditas, con Sabino Méndez como instructor general.

A pesar de sonar a lata, a pesar de que algunas canciones se aceleraron en la producción (Loquillo ha confesado que en algunas fases su voz suena “como un teleñeco”), a pesar de letras tan tontorronas como Tejanos apretados, a pesar de que todavía no tocaban bien… Da igual: este disco es el inicio (hay discos anteriores, pero no tan icónico como este) de una leyenda llamada Loquillo, sujeto esencial en los últimos 40 años dentro de la música española. Qué diferente y aburrido hubiese sido el rock español sin José María Sanz. Y, claro, aquí está El ritmo del garaje y Cádillac solitario. Grabado en diez días en Madrid, en un ambiente festivo por donde se pasaba todo el que pintaba algo en la época: Alaska, Ana Curra, Eduardo Benavente, Julián Siniestro Total Hernández… Como dicen Burning (reverenciados por Loquillo) en su canción Un poquito nada más”, todos traían un poquito, ellos decían que era lo mejor”.

 

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Los Suaves, ‘Esta vida me va a matar’ (1982)

En palabras de Yosi Domínguez, “el único grupo que fue telonero de los Ramones y no le echaron del escenario a botellazos”. Ahí queda eso.

Una mezcla entre Leño, los Ramones y Thin Lizzy. Así sonaban Los Suaves, desde Ourense, a principios de los ochenta, con la avasalladora personalidad de Yosi. Aunque tendría que afinar su escritura, aquí Yosi ya deja señales de una temática marca de la casa: la glorificación del personaje perdedor en temas que ya son clásicos de su repertorio, como Siempre igual, Peligrosa María o Sin empleo. Cuando el rock urbano decaía, llegaron Los Suaves para levantar esa bandera y volver a llenar pabellones durante los siguientes 40 años.

 

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Kortatu, ‘Kortatu’ (1985)

La banda que montaron los hermanos Muguruza a principios de los ochenta. Grupo esencial del rock vasco.

Viscerales, políticos, anfetamínicos. Kortatu fue música y mucho más en una época agitada en las calles de Euskadi. Musicalmente este debut del grupo está capitalizado por el galope del ska, aunque también hay agresividad hardcore y un modelo, los Clash de Joe Strummer. Casi todas las canciones son en castellano. Aquí encontramos clásicos del rock de la época como Sarri Sarri (en euskera), Nicaragua sandinista, La cultura o Jimmy Jazz.

 

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Parálisis Permanente, ‘El acto’ (1982)

Cuando Eduardo Benavente conoció a Ana Curra su grupo favorito era Tequila. Benavente tenía solo 15 años y quedó fascinado por el ecosistema oscuro de Curra. Fue cuando cambió de gustos: de la jovialidad de Tequila a las sombras del pop siniestro. Los dos estuvieron en Los Pegamoides, pero se marcharon para seguir su amor y su camino hacia lo desconocido en los misteriosos Parálisis Permanente.

Lo que hacía Parálisis Permanente era tan novedoso en España que tuvieron que crear una compañía independiente, Tres Cipreses, para darle salida. Musicalmente estaban en sintonía con bandas como The Cure, Bauhaus, Siouxsie and the Banshees o Killing Joke. Estéticamente y líricamente proponían un mundo que al oyente le seducía y asustaba a partes iguales. El acto es su único disco largo, que arranca con un sonido de truenos y una canción llamada Adictos a la lujuria: “Llevo 30 días sin luz, encerrado en este ataúd”. A partir de ahí, sadomasoquismo, muerte, látigos, depravación, drogas… Benavente murió con 20 años en un accidente de coche. Su valía artística se ha disparado por unos seguidores minoritarios que lo reverencian. No sabemos qué hubiera dado de sí este tipo inquieto y con un evidente magnetismo. Disfrutamos, eso sí, de un disco mitificado que, curiosamente, no contiene su tema más popular, Autosuficiencia, que se editó un poco antes en un EP compartido con Gabinete Caligari.



@JEG otra versión del Heroes

 

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Leño, ‘Corre, corre’ (1982)

Rosendo Mercado, Ramiro Penas y Tony Urbano grabando su tercer disco de estudio y el último. Después de una gira con Miguel Ríos y Luz Casal, en su máximo nivel de popularidad, el grupo decide separarse. Rosendo creía agotado el proyecto Leño y su honestidad le hicieron descartar una lucrativa continuidad.

Se fueron a grabar a Londres y allí Rosendo conoció a su ídolo, Rory Gallagher. Compartieron charla y estuvieron tocando un rato. Tampoco quedó el trío satisfecho del resultado del disco, una losa (la del sonido de sus tres trabajos de estudio) que no pudieron sortear en su corta carrera. Pero quizá este disco sea el que representa mejor el sonido Leño: tres instrumentos, melodías aparentemente sencillas (pero qué difícil es hacer música que conecte tanto) y letras de insatisfacción ante lo que los rodeaba, ya fueran políticos o modas. Qué desilusión es una de las mejores canciones de su carrera, Sorprendente es lo más parecido a un éxito que tuvieron, Qué tire la toalla es un bofetón a los políticos, La fina es un blues con una letra traviesa… Una despedida de gran nivel.

 

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Leño, ‘Corre, corre’ (1982)

Rosendo Mercado, Ramiro Penas y Tony Urbano grabando su tercer disco de estudio y el último. Después de una gira con Miguel Ríos y Luz Casal, en su máximo nivel de popularidad, el grupo decide separarse. Rosendo creía agotado el proyecto Leño y su honestidad le hicieron descartar una lucrativa continuidad.

Se fueron a grabar a Londres y allí Rosendo conoció a su ídolo, Rory Gallagher. Compartieron charla y estuvieron tocando un rato. Tampoco quedó el trío satisfecho del resultado del disco, una losa (la del sonido de sus tres trabajos de estudio) que no pudieron sortear en su corta carrera. Pero quizá este disco sea el que representa mejor el sonido Leño: tres instrumentos, melodías aparentemente sencillas (pero qué difícil es hacer música que conecte tanto) y letras de insatisfacción ante lo que los rodeaba, ya fueran políticos o modas. Qué desilusión es una de las mejores canciones de su carrera, Sorprendente es lo más parecido a un éxito que tuvieron, Qué tire la toalla es un bofetón a los políticos, La fina es un blues con una letra traviesa… Una despedida de gran nivel.

Y con este van dos discos suyos dignos de estar entre lo mejor de aquí. Tampoco es para menos.

 

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Barón Rojo, ‘Volumen brutal’ (1982)

En palabras de Vicente Mariskal Romero, impulsor del grupo al frente del sello Chapa Discos: “Ninguno de los grupos con lo que trabajé tuvieron las ideas tan claras, traían las canciones tan trabajadas del local de ensayo al estudio y eran tan profesionales como ellos”. Barón Rojo en 1982 hacen historia al grabar el disco más influyente del rock duro en castellano, Volumen brutal.

Cuatro grandes músicos con un material demoledor. Volumen brutal era lo que un joven de espíritu rebelde necesita, un manifiesto frente a las generaciones anteriores, instrucciones para luchar contra los poderosos y una reivindicación rockera como tribu (felizmente) marginada por el establishment. Grabado en Londres, se editó también una versión en inglés y el grupo actuó ese año como nunca lo haría, cuantitativa y cualitativamente. Este disco cambió la vida a mucha gente. Hoy, 40 años después, todavía algunas de esas canciones conservan su mensaje vigente: Resistiré, Incomunicación, Son como hormigas, Las flores del mal…